Творчество zia это: ZIA в рукоделии | Страна Мастеров

Содержание

ZIA в рукоделии | Страна Мастеров

Было бы весьма странно, если бы я не попробовала интегрировать зентангл в рукоделие. Безусловно, рисовать гелевой ручкой по акриловой краске не самое простое занятие, но результат радует.
Контрастный черно-белый рисунок сам по себе эффектен, но при добавлении цвета, страз и имитации камней он становится поистине завораживающим.

Вот такой нарядный получился у меня диспенсер для ватных дисков.
Пусть этот стиль называется зен-шик - сочетание зентангла и декоративных элементов.

А это зендала. Дзен-мандала. Рисовала на предварительно затонированном белой акриловой краской CD-диске.
Тут она пока ещё традиционно черно-белая. Но разве ж я могу удержаться, когда есть местечки, в которые камушки так и просятся?!

Ну, не совсем камушки. Имитация цветным гелем. Но как же она сразу преобразилась!

Результат мне так понравился, что я решила не останавливаться и сделать цветную зендалу. Ну что могу сказать? Мне понравилось. И сам процесс, и результат. На следующей неделе она меня покинет и уедет в Пекин в качестве подарка французскому фанату моего творчества. Он пока об этом не знает и потому поставил эту фотографию себе на аватарку. 🙂

Зентагл — пишет Екатерина на BabyBlog

Зентангл (англ. zentangle) - новая, развивающаяся форма искусства, которая сочетает в себе творчество, медитацию и удовольствие. Практически каждый может наслаждаться рисованием замысловатых орнаментов при помощи легкого в изучении метода «зентангл». Не нужно быть художником или приобретать дорогостоящие материалы и оборудование, все, что необходимо - это бумага, ручка (линер) и карандаш. Зентангл позволяет расслабиться и уменьшить стресс, одновременно вы будете создавать что-то красивое.

Энтузиасты по всему миру используют эту вдохновляющую технику, чтобы «поймать» медитативный фокус и стимулировать творчество. Тем же, кто впервые видит рисунки зентангл, красота их очевидна, будь то классический черно-белый зентангл или естественная симметрия зендала, или яркие краски ZIA. Искусство зентангл создает осмысленные узоры, которые можно находить вокруг себя в повседневной жизни, что придает искусству чувство естественности, ощущение «правильности». За красотой самого рисунка зентангл скрывается и красота методики зентангл, которая способна на преобразования. Тысячи людей практикуют метод зентангл с положительными результатами: повышение самооценки, новые способности концентрироваться и решать проблемы, возрождение творческого начала и появление вдохновения. Люди используют зентангл для избавления от боли, для лечения ментальных недугов, для медитирования и просто для того, чтобы оторваться от реальности и расслабиться. Рисование зентангл - уникальный опыт, который каждый человек переживает по-своему, результаты которого просто ошеломительны.













Терминология зентангл

Орнамент (tangle) - повторяющийся узор, используемый для заполнения пространства рисунка зентангл. Орнаменты могут быть простыми двухчастными конструкциями или иметь усложненный дизайн, составленный в несколько этапов. Некоторые орнаменты имеют небольшие хитрости в своем построении, и на первый взгляд узоры выглядят сложными, но если следовать инструкции, их рисование оказывается очень простым.

Классический зентангл - черно-белый рисунок, выполненный на специальных бумажных «плитках» (tiles).Настоящий классический зентангл выполняется на квадратных (9 х 9 см) или на круглых (диаметром 11,5 см) кусочках плотной бумаги, изготовленных специальной вырубкой. Для рисования «направляющих» на плитках используется графитовый карандаш. Орнаменты наносятся при помощи линера (рекомендуется черный линер Sakura Pigma Micron 01). Рисунок создается методом «зентангл» - последовательностью шагов для концентрации внимания, разработанных Риком Робертсом (Rick Roberts) и Марией Томас (Maria Thomas). Каждый классический рисунок зентангл выполняется по следующей процедуре:

  1. При помощи карандаша нанесите на квадрате бумаги 4 точки в каждом углу.
  2. Соедините эти точки, определив границы рисунка.
  3. Карандашом нарисуйте направляющие линии - струны (strings), чтобы разделить полотно рисунка на секции.
  4. При помощи линера заполните каждую секцию, отделенную струной, орнаментами. Некоторые участки могут оставаться открытыми.

Рисунок, выполненный таким способом, не имеет ни верха, ни низа, поэтому законченное произведение можно рассматривать под любым углом и в любом направлении.

Творчество ZIA (zentangle inspired art) - искусство, основанное на зентангл Это направление искусства использует орнаменты зентангл, но не является классическим зентангл. Рисунки ZIA часто имеют определенную форму. Когда контур в виде сердца или птицы заполняется орнаментами, рисунок считается основанным на зентангл. Форма имеет верх и низ, и ее нужно рассматривать в определенном направлении. Добавление в рисунок цвета также превращает его в ZIA. Ну и наконец, рисование зентангл на больших полотнах или на изделиях также рассматривается как ZIA.

Круги «зендала» (zendala) Зендала - рисунок зентангл, выполненный на круглой плитке. Работа над этими восхитительными формами может быть часть особого медитативного процесса. Мандалы дзен - персональные интерпретации, при которых варьируется размер круга или создаются рисунки, которые нужно рассматривать в определенном направлении.

Техника рисования zentagle - зентагл. Что такое зентагл / Статьи

Зентангл (англ. zentangle) – новая, развивающаяся форма искусства, которая сочетает в себе сразу несколько направлений: это и творчество, и медитация, и удовольствие в одном флаконе. Любой человек, даже не умеющий рисовать, может попробовать себя в этой технике. Рисуя в технике зентагл, вы расслабляетесь и уменьшаете стресс, одновременно создаете красивые и неповторимые вещи!

Эта техника возникла в 2006 году в США. Само название zentangle состоит из двух слов: «zen» (название одной буддистской секты) и «tangle» (сплетение, путаница, запутанный клубок).

Человек, не имеющий выдающихся талантов к рисованию, способен создать оригинальные и уникальные картины в этой технике. Если вы мечтаете начать рисовать, но до сих пор боялись взять в руки карандаш, то именно с этой технике может начаться ваша карьера художника!

Достоинство зентагла еще и в том, что для создания узоров требуется, по большому счету, только ручка и лист бумаги.

В этой технике повтор сделать невозможно. Даже у одного автора не получатся одинаковые узоры. Ведь рисунок определяется не столько композицией, сколько интуицией.

Zentangle - это абстрактный рисунок и его можно рассматривать с любой стороны. Но если внутри рисунка есть узнаваемый образ (например, лицо, глаза или животное) - это не Zentangle. Тем не менее, вполне может быть, стилизованным Zentangle или ZIA.

Рисуют обычно на квадратиках бумаги 9×9 см, причем их можно крутить как угодно, ведь это рисунки «без начала и конца».

Классический зентангл – черно-белый рисунок, выполненный на специальных бумажных «плитках» (tiles).Настоящий классический зентангл выполняется на квадратных (9 х 9 см) или на круглых (диаметром 11,5 см) кусочках плотной бумаги, изготовленных специальной вырубкой. Для рисования «направляющих» на плитках используется графитовый карандаш. Орнаменты наносятся при помощи линера (рекомендуется черный линер Sakura Pigma Micron 01). Рисунок создается методом «зентангл» - последовательностью шагов для концентрации внимания, разработанных Риком Робертсом (Rick Roberts) и Марией Томас (Maria Thomas). Каждый классический рисунок зентангл выполняется по следующей процедуре:

  1. При помощи карандаша нанесите на квадрате бумаги 4 точки в каждом углу.
  2. Соедините эти точки, определив границы рисунка.
  3. Карандашом нарисуйте направляющие линии – струны (strings), чтобы разделить полотно рисунка на секции.
  4. При помощи линера заполните каждую секцию, отделенную струной, орнаментами. Некоторые участки могут оставаться открытыми.

Рисунок, выполненный таким способом, не имеет ни верха, ни низа, поэтому законченное произведение можно рассматривать под любым углом и в любом направлении.

Творчество ZIA (zentangle inspired art) - искусство, основанное на зентангл Это направление искусства использует орнаменты зентангл, но не является классическим зентангл. Рисунки ZIA часто имеют определенную форму. Когда контур в виде сердца или птицы заполняется орнаментами, рисунок считается основанным на зентангл. Форма имеет верх и низ, и ее нужно рассматривать в определенном направлении. Добавление в рисунок цвета также превращает его в ZIA. Ну и наконец, рисование зентангл на больших полотнах или на изделиях также рассматривается как ZIA.

Круги «зендала» (zendala) Зендала – рисунок зентангл, выполненный на круглой плитке. Работа над этими восхитительными формами может быть часть особого медитативного процесса. Мандалы дзен – персональные интерпретации, при которых варьируется размер круга или создаются рисунки, которые нужно рассматривать в определенном направлении.

Художник Теофиль Александр Стейнлен/Theophile Alexandre Steinlen

Теофиль-Александр Стейнлен/Théophile-Alexandre Steinlen (10 ноября 1859 года, Лозанна — 14 декабря 1923 года, Париж) — французский и швейцарский художник, график и иллюстратор, работавший как в реалистическом стиле, так и в стиле модерн. Был востребован в своё время как иллюстратор книг и периодики, художник афиш, открыток и рекламных плакатов.

КНИГА. PINTE PASO A PASO. CON LOS MEJORES.

Краска шаг за шагом. В выпуске журнала рассказывается о стиле и технике художницы Лус Анжелы Вере. Шаг за шагом показаны этапы работы.
V Московский международный фестиваль наивного искусства «Фестнаив».

Наивное искусство или искусство непрофессиональных художников нечасто попадает во внимание галеристов и арт-критиков. Однако работы наивистов, простые и открытые, могут быть не менее драматичны и даже художественно значимы, чем полотна признанных мастеров. О том, что такое наивное искусство и почему интересно за ним следить, — в материале портала «Культура.РФ»

.

Наивный — значит простой

мелихов+емель

Александр Емельянов. Автопортрет. 2000-е. Частное собрание

мелихов+емель

Владимир Мелихов. Раздвоение. 1989. Частное собрание

Наивное искусство — это творчество художников без профессионального образования, которые при этом системно и постоянно занимаются живописью. В самом наиве можно выделить отдельные направления, например ар брют или аутсайдер-арт — искусство художников с психиатрическим диагнозом.

Очень важный вопрос для искусствоведов — как отличить наивиста от дилетанта. Критериями оценки творчества таких художников обычно служат самобытность и качество их работ. Большую роль играет и личность самого автора: посвятил ли он жизнь искусству, стремился ли что-то сказать в своих работах (живописных, графических, скульптурных).

Первый наивный

Наивное искусство существовало всегда. Наскальная живопись, палеолитическая скульптура и даже античные куросы и кариатиды — все это выполнено в примитивистской манере. Выделение наива как самостоятельного течения изобразительного искусства произошло не одномоментно: этот процесс занял более века и завершился в конце XIX столетия. Пионером этого новаторского течения стал Анри Руссо, французский художник-самоучка.

Руссо долгое время служил в таможне, уже в зрелом возрасте оставил профессию и серьезно занялся живописью. Впервые он пытался выставить некоторые работы в 1886 году на парижской «Выставке независимых», но был осмеян. А позже, в начале XX века, он познакомился с известными авангардистами, в том числе Робертом Делоне, который оценил смелый стиль Руссо. Авангардисты часто «вытаскивали» таких самобытных живописцев, как Руссо, помогали им развиваться и даже черпали в их работах, в их видении вдохновение для собственного художественного поиска. Вскоре работы Руссо начали пользоваться спросом, публика оценила оригинальность его сюжетов и особенно его работу с цветом.

В России наивное искусство предстало перед массовым зрителем на организованной художником Михаилом Ларионовым выставке «Мишень» 1913 года. Именно там впервые экспонировали работы Нико Пиросмани, которые привезли из Грузии братья Кирилл и Илья Зданевичи, художники и искусствоведы. До этой выставки публика не представляла, что любительское искусство могло быть больше, чем лубочные вывески и фольклорные росписи.

Наивные черты

пиросмани

Нико Пиросмани. Портрет Созашвили. 1910-е. Московский музей современного искусства

пиросмани

Нико Пиросмани. Женщина с пасхальными яйцами. 1910-ые гг. Московский музей современного искусства

Работы наивных мастеров часто объединяют атмосфера радости и восторженный взгляд на повседневную жизнь, яркий колорит и внимание к деталям, совмещение вымысла и реальности.

Многие классики отечественного наивного искусства кроме, пожалуй, Нико Пиросмани и Сосланбека Едзиева, прошло школу ЗНУИ — Заочного народного университета искусств. Он был основан в 1960 году на базе художественных курсов имени Надежды Крупской; в нем преподавали Роберт Фальк, Илья Машков, Кузьма Петров-Водкин и другие маститые авторы. Именно обучение в ЗНУИ давало наивистам возможность получить технические навыки, а также профессиональное мнение о своих работах.

Каждый наивист формируется как художник в некой изоляции, навсегда остается замкнут в рамках собственных идей и собственного стиля и может всю жизнь работать с кругом вечных тем. Так, работы Павла Леонова 1980-х и конца 1990-х годов мало чем отличаются: похожие композиции, похожие герои, все то же восприятие действительности, близкое к детскому. Разве что краски становятся более качественными, а холсты — масштабными. То же можно сказать об абсолютном большинстве наивистов. Даже на значимые общественные события они реагируют особенно: не меняют стилистику в зависимости от времени, а лишь добавляют в работы новые вещественные приметы эпохи. Как, например, классик наива Владимир Мелихов. Его работа «Раздвоение» — это прекрасная иллюстрация женской доли в Советском Союзе. На ней изображена женщина, которая буквально находится в двух местах одновременно: работает на заводе одной рукой, а второй — нянчит ребенка.

Читайте также:

Наивные темы

леонов

Павел Леонов. Автопортрет. 1960. Московский музей современного искусства

леонов

Павел Леонов. Уборка урожая. 1991. Московский музей современного искусства

Наивисты обращаются к общечеловеческим темам, близким каждому: рождение и смерть, любовь и дом. Их работы всегда понятны, поскольку художники стараются наиболее просто выражать волнующие их идеи, не углубляясь в символизм и скрытые смыслы.

Одним из первых сильных впечатлений наивного художника становится его выход в город, в социальную среду. Наивистам, которые, как правило, живут в деревне, свойственно идеализировать город, они пишут улицы и скверы светлыми, воздушными и причудливыми. Особенно художников, например Эльфриду Мильтс, вдохновляют технологические новшества — в частности, московское метро.

Еще одной общей для наивного искусства темой можно считать изображение человека — портреты и в особенности автопортреты. Наивистам присущ способ исследования мира через призму своей личности, собственного облика и облика окружающих людей. А также их интересует способ отражения внутреннего мира человека в его внешности. Поэтому работ портретного жанра дают возможность зрителю познакомиться с наивистами почти лично, узнать их такими, какими художники воспринимают самих себя. Замкнутость наивистов в собственном внутреннем мире иллюстрирует, например, автопортрет современного художника Александра Емельянова. Он изображает себя как совокупность образов и тем, к которым обращается.

Почти все классики наивного искусства так или иначе интерпретируют тему детства. Наивисты всегда остаются детьми, поэтому связанные с этой идеей работы — трогательные и непосредственные — становятся некой точкой соприкосновения ребенка прошлого и ребенка нынешнего, до сих пор живущего в душе художника. Примечательно, что себя в образе ребенка наивисты почти никогда не пишут. Они концентрируются на окружающем мире, на портретах других детей, на изображении животных — на том, что можно увидеть в азбуке.

никольск+лобанов

Светлана Никольская. Сталин умер. 1997. Московский музей современного искусства

никольск+лобанов

Александр Лобанов. Автопортрет в овальной раме под гербом СССР. 1980. Московский музей современного искусства

Следующая важная тема в наивном искусстве — тема застолья. Художники очень любят писать натюрморты, пиры, свадьбы и гулянья — особенно часто их можно увидеть на картинах Нико Пиросмани, Павла Леонова и Василия Григорьева, для которых застолье приобретает сакральный, евхаристический смысл. Пир любви, пир веселья, пир семейного круга — каждый художник находит в этой теме что-то очень личное и ценное. Как и в теме дома, семейного очага, который символизирует покой, уют и безопасность. В работах Павла Леонова, советская действительность всегда связана с радостью, праздниками и парадами. Даже труд Леонов изображает радостным и светлым.

Однако наивное искусство не всегда идиллическое. Например, аутсайдер-арт или ар брют зачастую оставляют у зрителя неясное тревожное ощущение. В этих работах не существует стройного и законченного мира — художники чаще всего концентрируются на одном мотиве или предмете и воспроизводят его в каждой работе. Для классика аутсайдер-арта Александра Лобанова таким объектом стала винтовка Мосина. Сам Лобанов из винтовки никогда не стрелял, да и в работах его нет ни войны, ни жестокости, ни боли. Этот предмет — словно артефакт, воплощение силы, как и активная советская символика, которая присутствует в абсолютном большинстве его работ.

Ключевые философские темы для художников — рождение и смерть. Наивисты обожествляют рождение человека, как физическое, так и личностное, сравнивают его с божественным зарождением жизни в общем. А уход человека они воспринимают с точки зрения оставшейся о нем памяти и боли. Так, например, на картине Светланы Никольской люди, облаченные в серое, контрастируют с насыщенно-красным фоном, прочесть их мысли или чувства невозможно — они будто окаменели.

Эпоха классического наива постепенно уходит. Сегодня столь закрытое и обособленное существование наивистов, каким оно было раньше, невозможно. Художники должны активно включаться в арт-процесс, понимать, что происходит на арт-рынке. Это не хорошо и не плохо — просто показатель времени. И тем ценнее будет каждое зрительское обращение к наивному искусству, пока оно окончательно не исчезло.

Автор: Екатерина Тарасова

Портал «Культура.РФ» благодарит за помощь в подготовке материала старшего научного сотрудника ММОМА, участника кураторской группы выставки «НАИВ…НО» Нину Лаврищеву и сотрудника Музея русского лубка и наивного искусства Марию Артамонову.

Performance зиа3

Track Name

Genre A cappella Alternative Alternative Rock Avant-garde Bards Blues Blues Rock Bolero Boogie Rock Boogie Woogie Bossa Nova Chamber music Church Music Classic Rock Classical Crossover Classical music Country Country Rock Dance Dance pop Disco Drum-n-Base Electronic Eurodance Folk Folk Funk Fusion Garage Gospel Gothic Hard Rock Hasidic Heavy Metal Hip Hop House Instrumental Jazz Jazz Rock Latin Rock Latino Lounge March Military and Patriotic Mizrahi Musical New Age New Wave ObO (one by one) Opera Operetta Paso-Doble Polka Pop Pop Flamenco Pop Rock Pop-Folk Progressive Rock Punk rock R&B Ragtime Rap Reggae Reggaeton Relaxation/Meditation Music Rock Rock Opera Rockabilly Rock-n-Roll Russian Romance Shanson Smooth Jazz Soul Soundtrack Swing/Big Band Tango Techno Traditional Trans Twist Dance Underground Waltz

Youtube Video

Decription

Allow users to download this file

Объединение «НАБИ». Картины художников — Журнал по дизайну и культуре
Пастухи. Морис Дени. 1909 г.

Пастухи. Морис Дени. 1909 г.

Наби (фр. nabis от древнеевр. navi пророк), набиды – группа французских художников-постимпрессионистов, возникшая в Париже в 1888 г. и просуществовавшая приблизительно до 1905 г. У истоков ее основания находились: Морис Дени (1870 – 1943), Поль Серюзье (1863 – 1927), Жан Эдуард Вюйяр (1868 – 1940), Пьер Боннар (1867 – 1947), Поль Эли Рансон (1864 – 1909). Кроме того, обычно к группе причисляют Феликса Валлотона (1865 – 1925), хотя формально её участником он не был.

Молодые художники познакомились будучи еще студентами в Академии Жюлиана. Группа Наби возникла на волне общего увлечения живописью Гогена, театром, новой литературой, восточной и христианской философией. Организатором группы можно считать Поля Серюзье, который был старшиной одного из отделений Академии и раньше всех познакомился с Полем Гогеном. Вот как вспоминает об этом времени Морис Дени: Наиболее смелые, среди посещавших около 1888 года Академию Жюлиана молодых художников, почти ничего не знали о великом движении в искусстве – импрессионизме, который только что произвел революцию в живописи. Они интересовались Роллем, Даньяном; восхищались Бастьен-Лепажем; о Пюви они говорили с уважительным равнодушием, будучи уверенными в том, что он не умел рисовать. Благодаря Полю Серюзье… наш кружок стал гораздо более развит, чем в большинстве академий. Один из учеников Ледрена знакомил нас с семитской литературой, а Серюзье излагал учение Плотина и Александрийской Школы.

Музы. 1895 г. Морис Дени.

Музы. 1895 г. Морис Дени.

В своих картинах, художники группы “Наби” опирались на работы прерафаэлитов, символистов (в особенности Пюви де Шаванна), японскую цветную гравюру, восточную эзотерику и литературу, но главное – на творчество П.Гогена и его символический синтетизм. В 1888 Серюзье вернулся из Бретани, где в местечке Понт-Авен писал вместе с Гогеном и художниками его круга. Он привёз с собой маленький этюд, который получил название Талисман, где цвета до предела упрощены, а вся картина была почти абстракцией. Это произведение оказало гипнотическое воздействие на молодых живописцев, не представлявших, что так можно писать. Так, первоначально объединение в группу прошло под девизом упрощения живописных средств. Однако, если для Дени и нескольких других молодых авторов это стало средством для построения нового символизма, то для остальных, такое упрощение осталось чисто декоративным эффектом, обогащающим живопись саму по себе. С самого начала, в живописи Наби развивались две линии: символико-спиритуалистическая, представленная творчеством Дени, Серюзье, Рансона, Веркаде, пытавшихся возродить церковную монументальную живопись, и искусство интимистов, как называли Вюйара, Боннара и Русселя за их стремление к поэтизации повседневной действительности.

Священная роща. 1897 г. Морис Дени.

Священная роща. 1897 г. Морис Дени.

Название “Наби” предложил Огюст Казалис, общий приятель молодых живописцев.

Письма друг другу, участники заканчивали традиционной подписью В твоей ладони мое слово и моя мысль. Каждый художник получил особенное имя: Морис Дени стал Наби прекрасных икон, Боннар – Очень японским Наби, Серюзье – Наби со сверкающей бородой, Вюйяр – Зуавом, Валлотон – Заграничным Наби. Обычно, собрания проходили в мастерской Рансона (Храме Наби) на бульваре Монпарнас. Мастерская была одним из культурных центров Парижа; сюда наведывались литераторы, художники, издатели модных журналов, театральные режиссеры. Среди его частых гостей можно назвать Майоля, Гогена, Шоссона, Люнье-По. Здесь устраивались диспуты и праздновались свадьбы, а также проходили небольшие выставки новых работ участников группы. Художники нашли и покровителя – Самуила Бинга, который охотно выставлял их произведения в своем магазине Дом нового искусства. Кроме того, литографии и плакаты постоянно печатались в журнале Ревю Бланш. В 1894 году Пьер Боннар создал рекламный плакат для этого издания. Художники рисовали картины и выполняли иллюстрации к книгам Альфреда Жарра, Андре Жида, Жюля Ренара, Тристана Бернара. Дружба связывала художников с знаменитым поэтом, вождём Символизма Стефаном Малларме. В Ревю Бланш были напечатаны программные статьи Дени главного теоретика Наби.

У средиземного моря. Триптих. 1911 г. Пьер Боннар.

У средиземного моря. Триптих. 1911 г. Пьер Боннар.

Центр проблематики “Наби” находился в вопросе о форме.

Как она должна выражать соотношение между идеей и картиной, природой и искусством? Шел процесс прояснения новых целей выражения, которые больше не находили своей формы, содержания и значения в простом изображении природы (натурализме). В статье Определение неотрадиционализма Морис Дени изложил взгляды набидов на искусство и его роль в обществе. Исходной точкой размышлений стал термин натурализм. Дени пишсал: Я не знаю, почему художники так плохо понимают натуралистическое, применимое к Ренессансу только в философском смысле. Признаюсь, что Пределлы Фра Анджелико в Лувре и Человек в красном Доменико Гирландайо мне кажутся более точно передающими природу, чем Джорджоне, Рафаэль, да Винчи. Это иной способ видеть, иной тип воображения.

Современное искусство, по мнению Дени, находится в некотором упадке как раз из-за неправильного понимания натуры природы. Свою мысль художник поясняет на примере религиозных образов: Византийский Христос является символом. Иисус же современных живописцев… не более чем литературен. В одном – выразительна сама форма, в другом – мы видим сымитированную природу, которая лишь хочет быть. Усилия таких авторов, как Роден или Пюви де Шаванн, Дени называет “триумфом воображения эстетов над бесплодными потугами  имитации”, “триумфом чувства прекрасного над натуралистическим обманом”. Заканчивается статья следующим обобщением: “Искусство – освящение природы, этой природы всего мира, который довольствуется биологической жизнью! Великое искусство, которое называют декоративным; индусы, ассирийцы, египтяне, греки, искусство средних веков и Ренессанс, лучшие образцы современного искусства что это? Разве не перенесение вульгарных ощущений природных объектов в сакральные, герметические… иконы. Итак, именно искусство одушевляет материальный мир, оно наделяет его настоящей жизнью”. Художественное творчество представляется как сакральная задача. Впрочем, не все члены группы воспринимали живопись в таком ключе. Зато, каждый, с должной иронией, принял ставшее впоследствии знаменитым утверждение Дени: …Картина, до того, как она стала боевым конём, обнаженной женщиной или каким-либо анекдотом, есть прежде всего плоская поверхность, покрытая красками, определенным образом организованными.

Вечное лето (ширма). 1905 г. Морис Дени.

Вечное лето (ширма). 1905 г. Морис Дени.

Особенностью художников группы “Наби” являлось тяготение к синтезу искусств.

Помимо станковой и монументальной живописи, художники занимались и декоративно-прикладными искусствами, практически охватив все виды художественной деятельности: книжной и прикладной графикой, костюмом и театральными декорациями, керамикой, фарфором, витражами, изготовлением мебели и даже ковроткачеством.

Расцвет деятельности группы пришелся на 90-е годы. Тогда, художниками были созданы такие великолепные картины, как:

  • “Католическое таинство” (1890) Мориса Дени.
  • “В постели” Эдуара Вюйяра.
  • “Маленькие школьники” (1895) Пьера Боннара.
  • Серия “Семь смертных грехов” Феликса Валлотона.
  • и другие.

В начале 1900-х объединение “Наби” распалось. Каждый художник пошел своей дорогой.

В самом деле, они слишком сильно отличались друг от друга: серьёзные и философски настроенные Серюзье и Дени мечтали возродить сакральное искусство, Вюйяра и Боннара больше увлекала парижская жизнь со всеми её трудностями и прелестями, Валлотон же нашёл своё призвание в гротеске, часто с социальной направленностью. По всей вероятности, символистами, в полном смысле этого слова, можно назвать только Дени, Серюзье и Бернара, лишь частично символистской является живопись Валлотона и Вюйяра, а Боннар и Руссель скорее близки к фовистам. Крепче всего Наби соединяла теория соотношений, выдвинутая Дени. Согласно ей, каждое чувство должно соответствовать объективной гармонии, способной транслировать его. Речь идет о спонтанной апперцепции отношений и эквивалентов между психическими состояниями и пластическими знаками. Не следует просто переносить свое впечатление на холст, необходимо интеллектуально осмыслить объект, и лишь потом воссоздать его. Форма претерпевает, таким образом, субъективную и объективную деформации и наделяется двойным смыслом. К любому участнику группы применимо положение о тесной связи между формами и эмоциями. Как писал Дени: “формы и краски – это знаки наших состояний души”.

В творчестве набидов проявились характерные черты стиля модерн: плоскостность форм, декоративность цвета, прихотливая изогнутость контуров, гармония ритмов. Все это дает основания рассматривать творчество этой группы как одну из разновидностей “Ар нуво”. У русских коллекционеров рано возник интерес к творчеству членов группы. Их полотна приобретали С. Щукин и И. Морозов. Именно благодаря им, сегодняшние коллекции Эрмитажа и ГМИИ им. А. С. Пушкина обладают превосходными картинами таких художников, как: Боннар, Вюйяр и Дени.

Галерея иллюстраций:

Современное искусство. Как разобраться

Рубрика: Об искусстве Автор: Родион Творогин Опубликовано 09.02.2020   ·   Комментарии: 3   ·   На чтение: 7 мин   ·   Просмотры:

5 177

Современное искусство завораживает, притягивает и отталкивает: все сразу. Чтобы разобраться в нем, для начала надо понять, а что же такое «современное искусство»? Что скрывается под таким уже привычным термином?

Казалось бы, нет ничего проще – все то искусство, которое происходит вокруг нас сейчас, и есть современное. И да, и нет одновременно. Давайте разбираться.

Что называют современным искусством в России и на Западе

В России современным искусством принято считать период с конца XIX века до наших дней, включающий в себя модернизм и постмодернизм. На Западе – период с 1960-х годов XX века.

Впервые термин «современное» применила к искусству Розалинда Краусс, американский теоретик и критик, в конце 1960-х годов, дав новой эпохе звучное название contemporery art (транслитерация на русский – контемпорери арт). В России в 90-х годах часто использовали термин «актуальное искусство», но он не прижился.

Розалинда Краусс

У нас в стране сейчас большинство людей ориентируется на Запад, поэтому будем считать, что и у нас эпоха современного искусства началась в 1960-х.

Но, в любом случае, корни современного искусства наших дней уходят в модернизм, поэтому стоит немного поговорить о нем.

Во всем виноваты импрессионисты

Из самого названия «современное искусство» понятно, что это искусство, идущее в ногу со временем, отражающее действительность. Но у каждой эпохи свое настоящее. С 60-х годов XIX века, когда начал развиваться технический прогресс, художникам стало тесно в рамках классических традиций и эталонов. Тогда и произошло зарождение современного искусства.

Все началось с Эдуарда Мане и его картины «Завтрак на траве», которая в 1863 году просто шокировала публику и стала предтечей многих новых направлений в искусстве, объединившихся в дальнейшем в одно название – модернизм. Художники активно искали новые способы реализаций своих замыслов.

Эдуард Мане «Завтрак на траве» 1863 г.

Модернизм

Первым направлением модернизма оказался импрессионизм – воплощение мимолетных впечатлений, переход от изображения реальных объектов к чувствам и, затем, идеям. К импрессионистам относятся Э. Мане, О. Ренуар, К. Моне, К. Писсаро, Э. Дега и другие.

Пьер Огюст Ренуар «Париж, набережная Малаке» 1875 г. (импрессионизм)

Далее появляются футуризм, кубизм, фовизм, экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм, супрематизм, абстракционизм. Все направления можно сравнить с одной большой необычной семьей – каждое имеет свой индивидуальный характер, но при этом объединены одним общим глубинным фундаментом.

Пабло Пикассо «Три женщины» 1908 г. (кубизм) Анри Матисс «Испанка с бубном» 1909 г. (фовизм)

В целом, эпоха модернизма, продолжающаяся вплоть до 1960-х годов, – это новый взгляд на общество и на роль творческой личности в нем. Художникам хотелось отразить свое отношение к современному миру, преобразить его и даже выдумать новый.

Сотворить заново!

Ребята-модернисты всегда были рисковыми людьми и ходили на грани эстетически приемлемого. В своем творчестве они использовали разные методы, которые мы наблюдаем и по сей день в современном искусстве:

  • в ход шли шутки, каламбуры, скандалы, сексуальные намеки;
  • в работах использовались всевозможные предметы – бытовые инструменты, вещи, обрывки газет, канцелярия и прочие, которые преподносились как произведения искусства;
  • смело использовались яркие краски;
  • на первое место ставилось не визуальное восприятие, а интеллектуальные и концептуальные идеи;
  • развивались разные типы искусства – коллажи, фотография, анимация.

Постмодернизм и contemporary art

В конце 60-х годов XX века в России современное искусство продолжилось с привкусом постмодерна, а на Западе пришло contemporary art.

В этот период появляются аудио и видео технологии, потом компьютеры, а в 90-х годах начал захватывать власть интернет. Вместе с новыми технологиями появляются и новые направления, соответствующие эпохе – концептуализм, гиперреализм, минимализм, поп-арт, хеппенинг, перфоманс.

Джозеф Кошут  «Один и три стула» 1965 г. (концептуализм)

Сегодня современное искусство поражает многообразием видов, порой даже шокирующих, о которых будет сказано далее. А пока разберемся в другом.

Как понять современное искусство простому человеку?

Художники – это совесть общества. Они привлекают внимание на разные проблемы: социальные, политические, экологические, психологические, бытовые и показывают мир таким, каким его мыслят.

Если исходить из того, что современное искусство – это самовыражение автора и его ощущение настоящего мира, то понять его несложно. Нет правильного и неправильного понимания. Любой зритель – соавтор и может дополнить произведение своим толкованием, принять его или нет.

Есть авторы-исследователи, которые выражают в работах результаты своих исследований социальных процессов. Для понимания их работ лучше, конечно, знать мысль и суть (можно почитать табличку с объяснением), и хоть немного знать теорию.

Есть авторы, которые выражают самого себя, свои эмоции, чувства и переживания. Здесь полный расчет не на ум, а на чувства и ощущения зрителя. И таких художников большинство.

Нет прямого ответа на вопрос: как понять современное искусство. Стойте, всматривайтесь, вглядывайтесь, вдумывайтесь. Чем сложнее сегодня, тем проще завтра.

«Посетители музея» проект Karin Jurick

Как разобраться в современном искусстве?

Очень просто – надо всего лишь начать изучать историю искусств, ходить на лекции, коих сейчас великое множество, и тогда современное искусство не будет казаться пугающим и непонятным. Не ленитесь быть любознательным, ведь современное искусство уже никуда не денется. Нам с ним жить.

На встрече с петербургским философом и поэтом Алексеем Геннадьевичем Машевским

Зачем нам эти знания?

Можно спросить: а зачем нам современное искусство? Зачем тратить время на его изучение? Многие и вовсе считают его бессмысленным.

Здесь все просто — современное искусство предлагает прекрасную пищу для ума и выявляет тенденции развития общества.

Знание современного искусства значительно расширяет кругозор и позволяет мыслить на более высоком уровне. Это помогает человеку представлять связи между формой и содержанием, между идеей и реализацией. Таким образом, развивается масштабное мышление и повышается осознанность.

А осознанного человека, хорошо разбирающегося в современном искусстве и понимающего логику развития творческих трендов, не обмануть рекламными ходами и социальными экспериментами.

Он легко отличит художественную акцию от политической провокации. И сразу увидит, где философский концепт, предназначенный для интеллектуалов, а где просто сиюминутная выходка, нацеленная на хайп.

Виды современного искусства

А теперь, как и было обещано, многообразие видов современного искусства (contemporary art) во всей красе.

Граффити и обратное граффити

Если для простого граффити нужны чистые стены, чтобы рисовать баллончиками с красками, то для обратного граффити (Reverse Graffiti) наоборот – чем грязнее, тем лучше. Авторы используют моющие средства, а иногда и моющие машины для удаления грязи, рисуя шедевры.

Граффити Обратное граффити Пола Кертиса
Рисование на грязных машинах

То же, что и обратное граффити на грязных стенах, только на машинах. После такого и машину мыть уже не хочется.

Картины, написанные собственным телом

Вместо кисти может пригодиться любая часть тела.

Индийский художник Ани К рисует языком
Жидкости тела (органические)

Некоторые экстравагантные авторы не чураются использовать кровь и мочу для создания своих отвратительных мрачных шедевров.

Мани-арт

Для аппликаций и поделок в ход идут любые купюры, которые не жалко.

Резьба по книгам

Из старых книг с помощью пинцетов, щипчиков, скальпелей, клея и других приспособлений, художники создают потрясающие пейзажи.

Резьба по книгам Брайна Деттмера
Боди-арт иллюзии

Тело человека используется в качестве объекта творчества. Но теперь это не просто картинки, а настоящие раны и реальные хищники.

Тени в искусстве

Свет падает на сооружение из всевозможных предметов, а отбрасываемая тень, например женской фигуры, это и есть произведение искусства. Бывают даже цветные тени из-за цветного стекла.

Тени Лэрри Кэгана
Анаморфоз

Из специально искаженного изображения появляется правильное при взгляде под определенным углом. Многие уличные художники так имитируют ямы, трещины на земле и стенах.

Анаморфоз на асфальте Курта Веннера
Акционизм

Вовлечение произведения в действие, т. е. в акцию. Часто художник сам становится участником действия.

Акционизм Петра Павленского
Хеппенинг

Акционизм с участием зрителей без всякого сценария. И куда все это заведет не понятно.

Перфоманс

Акционизм с участием зрителей по прописанному сценарию.

Фотореализм

Слайд фотопленки проецируется на холст, и получается произведение большого размера с фотографической точностью.

Фотореализм Дика Зиммермана
Реди-мейд

Это когда обычный готовый объект, например унитаз, помещают на пьедестал и под стекло.

Марсель Дюшан «Фонтан» 1917 г.
Инсталляция

Композиции из различных материалов разных размеров: от миниатюрных до занимающих огромные залы.

Статья о современном искусстве на Википедии.

Что такое творчество? (И почему это является решающим фактором успеха в бизнесе?)

Определение креативности и инноваций

Креативность - это воплощение новых и творческих идей в реальность. Творчество характеризуется способностью воспринимать мир по-новому, находить скрытые закономерности, устанавливать связи между внешне не связанными явлениями и генерировать решения. Творчество включает в себя два процесса: мышление, а затем производство.

Если у вас есть идеи, но вы не действуете на них, вы изобретательны, но не креативны.

«Креативность - это комбинаторная сила: это наша способность задействовать наш« внутренний »пул ресурсов - знания, проницательность, информацию, вдохновение и все фрагменты, населяющие наш разум, - которые мы накопили за эти годы, просто будучи настоящее и живое и пробуждающее мир и объединяющее их необычайно новыми способами ». - Мария Попова, Brainpickings

«Творчество - это процесс создания чего-то нового. Творчество требует страсти и преданности делу.Это приносит нашему пониманию то, что было ранее скрыто, и указывает на новую жизнь. Это переживание повышенного сознания: экстаз ». - Rollo May, Смелость творить

Возможно ли это в бизнесе? Я верю в это, но вы должны быть готовы рисковать и прогрессировать через дискомфорт, чтобы добраться до финиша.

«Продукт является творческим, когда он (а) является новым и (б) уместным. Новый продукт оригинален, не предсказуем. Чем больше концепция и чем больше продукт стимулирует дальнейшую работу и идеи, тем больше продукт является творческим.
—Sternberg & Lubart, Противостояние толпе

Что такое инновация?

Инновация - это внедрение нового или значительно улучшенного продукта, услуги или процесса, которые создают ценность для бизнеса, правительства или общества.

Некоторые люди говорят, что креативность не имеет ничего общего с инновациями - инновация - это дисциплина, подразумевающая, что креативность - нет. Ну, я не согласен. Творчество также является дисциплиной и важной частью инновационного уравнения.Там - это без инноваций без творчества. Ключевой метрикой как в творчестве, так и в инновациях является создание стоимости.

Творчество и экономическое развитие:

Мы живем в эпоху творчества. Даниэль Пинк в своей книге « совершенно новый ум: почему правые мозги будут управлять будущим» (2006) определяет экономическое развитие как:
1. Возраст сельского хозяйства (фермеры)
2. Промышленный век (фабричные рабочие)
3. Информация Возраст (работники умственного труда)
4. Концептуальный возраст (создатели и эмпатизаторы)

Пинк утверждает, что левостороннее линейное аналитическое компьютерное мышление заменяется правосторонним сочувствием, изобретательностью и пониманием в качестве навыков, наиболее необходимых бизнесу.Другими словами, креативность дает вам конкурентное преимущество, добавляя ценность вашим услугам или продукту и отличая ваш бизнес от конкурентов.

Как сказал Сэм Палмисано, когда он был генеральным директором IBM (2004), «Либо вы вводите новшества, либо попадаете в товарный ад. Если вы делаете то, что делают все остальные, у вас малоприбыльный бизнес. Это не то место, где мы хотим быть. (1)

В 2012 году IBM начала заново изобретать себя, чтобы стать дизайнерской компанией, инвестировав 100 миллионов долларов США в наем дизайнеров и обучив 100 000 сотрудников навыкам проектирования.(2) IBM помогла расширить концептуальное мышление организации в течение трех лет, чтобы проникнуть в одну четверть всего портфеля, что позволило увеличить прибыль на 18,6 млн. Долл. (3)

Креативность - самый важный фактор будущего успеха

IBM 2010 Global Исследование руководителей (4) гласило:

Эффекты растущей сложности требуют от руководителей и их команд смелого творческого подхода, творческого подхода к клиентам и проектирования их операций, обеспечивающих скорость и гибкость для позиционирования своих организаций в XXI веке. успех.

Разрыв в креативности

Исследование Adobe, посвященное креативности в 2012 году, показывает, что 8 из 10 человек считают, что разблокирование креативности имеет решающее значение для экономического роста, и почти две трети респондентов считают, что креативность ценна для общества, но поразительное меньшинство - только 1 из 4 люди - верят, что они реализуют свой творческий потенциал.

Можно ли научиться творчеству?

Короткий ответ - да. Исследование Джорджа Лэнда показывает, что мы, естественно, креативны, и по мере взросления мы учимся быть креативными.Творчество - это навык, который можно развивать, и процесс, которым можно управлять.

Творчество начинается с основ знаний, изучения дисциплины и овладения мышлением. Вы можете научиться быть креативным, экспериментируя, исследуя, подвергая сомнению предположения, используя воображение и синтезируя информацию. Обучение творчеству сродни обучению спорту. Это требует практики, чтобы развить правильные мускулы и поддерживающую среду, в которой можно процветать.

Исследования Клейтона М.Кристенсен и его исследователи обнаружили ДНК инноваторов: Ваша способность генерировать инновационные идеи - это не только функция разума, но и функция пяти ключевых способов поведения, которые оптимизируют ваш мозг для открытия:

  1. Ассоциирование: рисование связей между вопросами, проблемами или идеями из не связанных между собой областей
  2. Опрос: задает запросы, которые ставят под сомнение общую мудрость
  3. Наблюдение: анализирует поведение клиентов, поставщиков и конкурентов, чтобы определить новые способы ведения дел
  4. Сеть: встречи с людьми с разными идеями и перспективами
  5. Эксперименты: построения интерактивных событий и провоцирования неортодоксальных ответов, чтобы увидеть, какие идеи возникают

У сэра Ричарда Брэнсона есть мантра, которая пронизывает ДНК компаний Virgin.Мантра это A-B-C-D. (Всегда соединяйте точки). Творчество - это практика, и если вы будете практиковаться в использовании этих пяти навыков открытия каждый день, вы будете развивать свои навыки в области творчества и инноваций.

«Творчество - это способность видеть отношения там, где их нет».
- Томас Диш, автор, 334, (1974)

Например, вы можете сравнить вашу компанию с другими, не относящимися к вашей отрасли. Вопросы, которые я задаю командам своих клиентов в преддверии наших творческих и инновационных сессий: какие компании вы больше всего восхищаете и почему? Что они делают, что вы могли бы принять или адаптировать к вашей собственной компании?

Дополнительные ресурсы для творчества:
Мастер-классы по творчеству и инновациям
Кураторский список инструментов и методов творчества

Генеративные исследования креативности

Генеративные исследования показывают, что у каждого есть творческие способности.Чем больше у вас тренировок и чем разнообразнее обучение, тем больше потенциал для творческого результата. Исследования показали, что в творчестве количество равно качеству. Чем длиннее список идей, тем выше качество окончательного решения. Довольно часто идеи высшего качества появляются в конце списка.

Поведение является генеративным; как поверхность быстро текущей реки, она по своей сути и постоянно нова ... поведение течет, и оно никогда не перестает изменяться. Поведение романа генерируется непрерывно, но оно помечается как креативное только в том случае, если оно имеет какую-то особую ценность для сообщества… Генеративность - это основной процесс, который управляет всем поведением, которое мы придумываем для обозначения креатива.”- Роберт Эпштейн, доктор философии, , психология сегодня, июль / август 1996,

,

. Преодоление мифов о творчестве. Согласно исследованию, проведенному в Университете Эксетера, идея о том, что такие гении, как Шекспир, Пикассо и Моцарт были «одаренными», является мифом. Исследователи изучили выдающиеся достижения в искусстве, математике и спорте, чтобы выяснить, «насколько широко распространено убеждение, что для достижения высоких уровней способностей человек должен обладать врожденным потенциалом, называемым талантом.”

Исследование приходит к выводу, что превосходство определяется:

  • возможностей
  • поощрения
  • обучения
  • мотивации и
  • больше всего практики.

«Мало кто показал ранние признаки обещания до родительской поддержки». Никто не достиг высокого уровня достижений в своей области, не посвятив тысячи часов серьезной подготовки. Моцарт тренировался в течение 16 лет, прежде чем он создал признанную мастерскую работу. Более того, многие высокопоставленные профессионалы достигают сегодня таких уровней мастерства, которые соответствуют возможностям Моцарта или Золотого медалиста на рубеже веков.”( The Vancouver Sun , сентябрь 12/98)

Содействие творчеству на работе: правила гаража

Следуйте этим простым правилам, и вы будете развивать культуру творчества и инноваций: они были определены HP, которые в Факт начался в гараже.

Поверьте, вы можете изменить мир.
Работайте быстро, держите инструменты разблокированными, работайте всегда.
Знай, когда работать одному, а когда работать вместе.
Поделиться - инструменты, идеи. Доверяй своим коллегам.
Нет политики.Нет бюрократии. (Это смешно в гараже.)
Заказчик определяет хорошо выполненную работу.
Радикальные идеи не плохие идеи.
Придумайте разные способы работы.
Сделайте вклад каждый день. Если он не вносит свой вклад, он не покидает гараж.
Поверьте, что вместе мы можем сделать все, что угодно.
Изобрет.
-1999 HP Годовой отчет

См. Также:

Список литературы

(1) С. Лор, «Большая ставка Big Blue: меньше технологий, больше внимания», Нью-Йорк Таймс, 25 января 2004 года.

(2) Элизабет Стинсон, Wired (2016): у IBM есть план, чтобы донести дизайнерское мышление до крупного бизнеса https://www.wired.com/2016/01/ibms-got-a-plan-to-bring- дизайн-мышление-для-большого бизнеса /

(3) Исследование Forrester (2018 г.) «Общее экономическое влияние ™ практики IBM по проектному мышлению: как IBM управляет ценностью клиента и измеримыми результатами благодаря своей структуре мышления» https: // www.ibm.com/design/thinking/static/media/Enterprise-Design-Thinking-Report.8ab1e9e1.pdf

.
Закон скучает по мне, говорит дочь Зия Моди Анджали

Чип от старого блока, она не. Прославленная мать Анджали Моди, Зия Моди, является одной из ведущих компаний в области корпоративного права в стране, но когда ей пришло время выбирать карьеру, она знала, где лежит ее сердце. «Я всегда был креативным с самого начала.

Если я могу быть откровенно честным, закон надоедает мне. Это слишком расчетливый и технический. Я всем говорю, я слишком тупой, чтобы быть юристом ", - шутит 28-летняя девушка. Поэтому после получения степени бакалавра в области изобразительного искусства по промышленному дизайну в Школе дизайна в Род-Айленде она основала свою студию дизайна мебели - Josmo.

Сегодня, наряду с управлением студией, она также является партнером в компании по разработке брендинга Skarma вместе со своими тремя друзьями и руководит маркетинговой деятельностью своего отца и бизнес-магната компании игровых и гостеприимства Jaydev Mody Delta Corp.

Несмотря на то, что она не пошла по стопам своей матери, она все еще хочет оправдать свое семейное наследство. «Ожидания, которые я возложил на себя, связаны с встречей с мамой», - говорит Анджали.

Выросший как внучка Соли Сорабджи, бывшего генерального прокурора Индии, был очарованным существованием.Анджали с готовностью признает, что она и ее сестры были тремя принцессами семьи и были «испорчены до мозга костей нашим отцом». Но совершенство также подчеркивалось как добродетель. «Там нет никакого среднего уровня. Оба моих родителя работают, чтобы преуспеть», - говорит она.

Наблюдение за тем, как ее успешные родители принесли домой реальность жонглирования жизнью и мощной карьеры. «Были времена, когда мы ходили в школу, и наша мама просто возвращалась с работы. Я очень рано решил, что это не то, чем я хочу заниматься.Я хочу работать, но в свое свободное время и по-своему », - говорит Анджали.


Что касается ее деловых навыков, то ее отец оказывал основное влияние, а мать учила ее любить то, что она делает. «Страсть моей матери нереальна. Чтобы быть там, где она сейчас, потребовалась тяжелая работа», - говорит Анджали.

Есть некоторые вещи, которым Анджали тоже научила свою знаменитую маму. Например, как лучше ценить искусство и дизайн. Она говорит: «Это была большая веха, когда я убедил ее использовать iPad в прошлом году.Она обычно очень устойчива к технологиям. «Вы можете доверять дочери адвоката, чтобы она действительно хорошо аргументировала свою позицию.

Анджали Моди (слева) и Зия Моди (справа) (фото: BCCL)

Можно ли учить творчеству? Вот что говорят исследования

Тест творчества Джорджа Лэнда

В 1968 году Джордж Лэнд провел исследовательское исследование для проверки творчества 1600 детей в возрасте от трех до пяти лет, которые были зачислены в программу Head Start. Это было то же творческое испытание, которое он разработал для НАСА, чтобы помочь выбрать инновационных инженеров и ученых. Оценка сработала настолько хорошо, что он решил примерить это на детей. Он повторно обследовал тех же детей в 10 лет и снова в 15 лет.Результаты были поразительными.

Результаты тестов среди 5-летних: 98%
Результаты тестов среди 10-летних: 30%
Результаты тестов среди 15-летних: 12%
Тот же тест для 280 000 взрослых: 2%

«Что мы сделали, - писал Лэнд, - это то, что не креативное поведение учат ».
(Источник: Джордж Лэнд и Бет Джарман, Breaking Point и последующие. Сан-Франциско: HarperBusiness, 1993)

Наблюдайте, как Джордж Лэнд обсуждает свое творческое исследование на отметке 6:08 во время его выступления в Tedx:
(если вы не наденете не смотрите видео здесь, нажмите на ссылку Youtube

George Land, Ph.Д. (1932 - 2016) был автором, системным ученым и членом Академии мирового бизнеса.

Почему взрослые не такие креативные, как дети?

Для большинства творчество похоронено по правилам и нормам. Наша образовательная система была разработана во время промышленной революции более 200 лет назад, чтобы научить нас быть хорошими работниками и следовать инструкциям.

Можно ли учить творчеству?

Да, навыкам творчества можно научиться. Не сидя на лекции, а изучая и применяя процессы творческого мышления.Вот выдержка из исследования «Эффективность обучения креативности»:

За последние полвека было предложено множество программ обучения, направленных на развитие креативных способностей. В этом исследовании был проведен количественный мета-анализ усилий по оценке программ.

Основываясь на 70 предыдущих исследованиях, было обнаружено, что хорошо разработанные программы обучения творчеству, как правило, приводят к повышению производительности, причем эти эффекты обобщаются по критериям, параметрам и целевым группам населения.Кроме того, эти эффекты имели место, когда были приняты во внимание соображения внутренней действительности.

Изучение факторов, влияющих на относительную эффективность этих программ обучения, показало, что более успешные программы, вероятно, будут направлены на развитие когнитивных навыков и эвристики, применяемой для применения навыков, с использованием реалистичных упражнений, подходящих для данной области.

Последствия этих наблюдений для развития творчества посредством образовательных и обучающих мероприятий обсуждаются вместе с направлениями для будущих исследований.

(Источник: Джинари Скотт, Лайл Э. Лериц и Майкл Д. Мамфорд, журнал Creativity Research Journal, 2004, том 16, № 4, 361–388)

Творчество - это навык, который можно развить и процесс, которым можно управлять. Творчество начинается с основ знаний, изучения дисциплины и овладения мышлением. Мы учимся быть творческими, экспериментируя, исследуя, подвергая сомнению предположения, используя воображение и синтезируя информацию.

Преподавание творчества в IBM

Из поста Августа Турака в Forbes.com

Каждый великий лидер - это творческий лидер. Если творчеству можно научить, как это делается?

В 1956 году Луи Р. Мобли понял, что успех IBM зависит от того, как научить руководителей творчески мыслить, а не учить читать финансовые отчеты. В результате, IBM Executive School была построена вокруг этих шести идей.

Во-первых, традиционные методики обучения, такие как чтение, чтение лекций, тестирование и запоминание, хуже, чем бесполезны. Они на самом деле являются непродуктивным способом построения коробок. Большая часть образования фокусируется на предоставлении ответов в линейном пошаговом порядке. Мобли понял, что радикально разные вопросы нелинейным способом являются ключом к творчеству.

Второе открытие Мобли заключается в том, что творческий подход - это , а не обучение , а не процесс обучения . [Знал ли он об исследовании Джорджа Лэнда выше?] Цель IBM Executive School состояла не в том, чтобы добавить больше предположений, а превзойти существующие предположения.Разработанные как «ошеломляющий опыт», руководители IBM были выбиты из своей зоны комфорта часто смущающими, разочаровывающими и даже приводящими в бешенство способами. Предоставление унизительного опыта для высокопоставленных руководителей с эго, чтобы соответствовать, имело свои риски, но Мобли рискнул этим риском, чтобы получить «Вау, я никогда не думал об этом раньше!» реакция, которая является рождаемостью творчества.

В-третьих, Мобли понял, что мы не учим быть креативными. Надо стать , творческих людей .Новобранец морской пехоты не учится быть морским пехотинцем, читая руководство. Он становится морским пехотинцем, подвергаясь суровости учебного лагеря. Подобно гусенице, превращающейся в бабочку, он на превращается в в морского пехотинца. Исполнительная школа Мобли была двенадцатинедельным экспериментальным учебным лагерем. Классы, лекции и книги были обменены на загадки, симуляции и игры. Как и психологи, Мобли и его сотрудники всегда мечтали об экспериментах, в которых «очевидный» ответ никогда не был адекватным.

Четвертая идея Мобли заключается в том, что самый быстрый способ стать творческим - это поболтать с творческими людьми - независимо от того, как глупо они заставляют нас чувствовать.IBM Executive School, ранний эксперимент в контролируемом хаосе, представлял собой бессистемную, неструктурированную среду, в которой большая часть преимуществ получалась благодаря взаимодействию между равноправными узлами, большая часть которого была неформальной и автономной.

В-пятых, Мобли обнаружил, что творчество тесно связано с самопознанием. Невозможно преодолеть предвзятость, если мы не знаем, что они там есть, и школа Мобли была задумана как одно большое зеркало.

Наконец, и, возможно, самое главное, Мобли разрешил своим ученикам ошибаться. Каждая великая идея вырастает из почвенного покрова сотен плохих, и единственная главная причина, по которой большинство из нас никогда не оправдают свой творческий потенциал, - это страх дурачить себя. Для Мобли не было плохих идей или неправильных идей, только строительные блоки для еще лучших идей.

- Прочтите полную статью Августа Турака на Forbes.com

Мобли прозвучало правдоподобно для меня, хотя я бы избежал его резких подходов к отучению от творчества.Есть способы отучиться от творчества, которые не включают в себя сдачу предметов через психологический учебный лагерь. Обучение творчеству сродни обучению спорту. Это требует практики, чтобы развить правильные мускулы и поддерживающую среду, в которой можно процветать.

Обновлено 6 июня 2014 г.

Вам также может понравиться:

Будущее учебного отдела

ROI по обучению творчеству

.
Зия Гнев о том, почему движущиеся изображения важнее слов - Creative Independent

Я проводил бесплатный двухдневный семинар для детей в Гудзоне, городе, полном художников. Там есть много возможностей для получения образования, если у вас есть деньги или вы получаете привилегию. Конечно, это дети художников, которые как «Мы ​​не привилегированы». Но это очевидно. Точно так же, как очевидно, что есть тонна детей без привилегий. Там есть система государственных школ, которая буквально самая плохая в штате.

Мой друг Шанека, который там живет, организовал мастерскую. Это были восемь лет. Я дал им инструкции: «Это твой сценарий, ты можешь быть любым персонажем, которым хочешь быть». Двое детей хотели быть полицейскими. Семинар был наполовину белым и наполовину чернокожим, и было интересно, как чернокожие дети - это было во время некоторых съемок - хотели, чтобы их герои были полицейскими. Я думал об опыте восьмилетнего возраста и смутном понимании того, что происходит в новостях.Они должны иметь представление о том, что «полиция» означает жизнь или смерть, верно?

Не знать, как писать в этот момент, не так уж и сложно, но не знать, как пользоваться телефоном и как делать видео, - это действительно большая проблема.

Как будто полиция - это Бог, высшая сила. Это, вероятно, выше, чем они знают Бога. Если они религиозны, у них, вероятно, есть кто-то, говорящий: «Вы религиозны, и вы любите Бога», но у них нет никаких признаков этого. Они, тем не менее, имеют серьезные признаки этого «Бога», полиции.Конечно, это то, что они хотят быть. Вот кто живет.

Я думал об опыте взросления и о разнице между личным опытом и тем, чтобы услышать что-то как модное слово, и попытался интегрировать это в свою практику. Это меня достало. Для многих людей их первый опыт - это что-то физическое. Для меня и большинства моих сверстников, преуспевающих в фильме так, как я добиваюсь успеха, наш опыт был похожим. Я смотрю на этих детей, и их опыт сильно отличается.

Я думал о том, как важно для них иметь доступ к вещам, к которым у меня есть доступ; это, вероятно, намного важнее, чем то, что я или мои коллеги должны сказать. Я из этого поколения, начала тысячелетий, это чертовски скучно. Мои сверстники и я боимся людей, которые встают и приходят, и у которых есть опыт, который является более реальным. Они видят намного больше, чем мы.

Я думаю, это из-за доступа ко всему. С интернетом видно все.Вот почему я думаю, что движущиеся изображения так важны. Для меня это было не так важно, взрослеть. Это была эскапистская штука. Теперь это похоже на письменное слово. Не знать, как писать на данный момент, не имеет большого значения, но не знать, как использовать свой телефон и как делать видео, это большое дело. Быть способным понимать движущиеся изображения - большое дело. Больше, чем писать.

Есть много разных способов сделать это, методы и все такое дерьмо, но в конечном счете, есть алфавит ... Это алфавит, который я ненавижу.

Молодые люди так общаются друг с другом. Вот и все: они общаются! Понять нюансы того, что два снимка рядом друг с другом, важно. Понять, что существуют эти правила, которые нарушаются, когда дело доходит до монтажа. Уметь, будучи молодым человеком, понимать, как люди используют движущиеся изображения для манипулирования вещами. Уметь смотреть на что-то и говорить: «Я знаю, что они пытаются мне сказать». Мол, «Они не честны по этому поводу.На самом деле они говорят что-то действительно плохое »или« Они говорят что-то действительно хорошее. Как мне всем рассказать, о чем я думаю? »

Это основная вещь, которая для меня похожа на письменное слово. Если вы не знаете, как это сделать, это своего рода неграмотность. Что не справедливо. Это за несправедливо. Это как Конец Времен. Так люди выживают или не выживают.

В течение последних 10 лет, когда я снимал фильмы, а не зарабатывал на них деньги, мои родители говорили мне: «Почему ты не занимаешься подобным образом?» Будь то коммерческая вещь или коммерческая реклама, они говорят: «Есть масса людей, которые, вероятно, хотят этого, вы могли бы сделать это.Как будто кто-то говорит: «Я пишу романы», а не «Я пишу стихи». Твоя мама говорит: «Люди не читают стихи. Почему бы тебе не написать роман?

Если молодой человек хочет попасть в кино и ищет совета, я всегда говорю, не говорите с режиссером. Не спрашивайте их совета, потому что никто не даст вам правильный совет.

Это не то же самое, что не знать как, потому что тебя не учили. Я не говорю об этом таким образом. Я просто говорю, что существует так много разных типов движущихся изображений и мест, в которых мы видим эти вещи.Это пост-язык. Есть много разных способов сделать это и техники, и все такое дерьмо, но в конечном счете, есть алфавит.

Я ненавижу алфавит. Большая часть моей работы отрицает алфавит, отрицая традиции этого. Но, по крайней мере, я выучил эту традицию. Я могу посмотреть на глупый рекламный ролик по телефону, Red Lobster, который буквально всегда появляется, когда я смотрю что-то на YouTube, и я понимаю, что он пытается мне сказать. В этом есть сила.

Ты тоже должен знать деловую сторону.Когда моего парня, белого парня, просят сделать работу, на которую он всегда говорит: «Могу ли я иметь это много?» Он просто называет что-то суперское, и ему говорят «да». Когда я думаю об обучении людей ремеслу кинопроизводства, я всегда отвергал их деловую сторону. Это замедлило мою карьеру, потому что мне было все равно. Это также одна из тех вещей, которые до сих пор, когда дело доходит до того, чтобы делать вещи для других людей или с деньгами других людей, действительно испортили меня, потому что никто не учил меня этому.

У моего парня другое образование, чем у меня. С юных лет ему в основном говорили, чтобы он просто попросил самую безумную сумму денег, и он всегда это делал. Я не знал, чтобы сделать это. Мне только что сказали: «Тебе действительно повезло», и я до сих пор чувствую, что мне так повезло, что я сделал все эти вещи. Любой, у кого плохое отношение на съемочной площадке, мне всегда нравится: «Уходи. Нам повезло. Мы могли бы водить автобус или что-то в этом роде ». Вы могли бы делать это, или вы могли бы сделать работу, которая действительно тяжела.

У меня было авто-дидактическое образование, и мне было тяжело 10 лет, чтобы выучить все заново. Я бы хотел, чтобы кто-то сказал: «Нет, нет, нет. Когда вы идете на лейбл, не думайте, что то, что они вам дают, это большие деньги. Думаю, это половина того, что они могли бы дать вам. Потому что вы делаете музыкальные клипы для людей, которые, мы надеемся, заработают кучу денег. Они хранят половину того, что делает этот музыкант. Я многое узнал о вещах, которые никогда не хотел изучать, снимая музыкальные клипы.Это также заставило меня не хотеть делать музыкальные клипы.

Вы должны стремиться к счастью, независимо от того, какой надеждой будет ваша карьера.

Это отсутствие прозрачности, когда речь идет о пожилых людях, говорящих с молодыми людьми о том, что они делают, чтобы проникнуть внутрь. Последние 10 лет я вырывал эту информацию из людей и говорил: «Почему это так ценно для вас?» Я понимаю, что многие гребаные люди боятся потерять ту привилегию, которая у них есть. Это отсутствие прозрачности, чтобы люди могли оставаться там, где они есть.Я так с этим покончил. Нам всем нужна эта информация. Каждый должен знать все обо всем, и тогда мы действительно увидим, кто делает лучшие вещи.

Большинство вещей, которые я вижу сейчас, я имею в виду фильм, музыку, мне это надоело. Затем я тусуюсь с восьмилетним ребенком, который делает что-то невероятное, и мне нравится: «Я хочу увидеть, что ты собираешься делать через 20 лет. Как мы можем отойти от того, что вам восемь лет - и единственное, что вам нужно для музыки или кино, - это то, что в этом бесплатном лагере, который происходит один раз в год, - до 30 лет? Если это то, что вы хотите сделать, что должно произойти между тем, чтобы это стало тем, чем вы должны заниматься? »

Даже если это означает работу рабочего дня навсегда.Доступ к определенному количеству знаний, которые полезны, а не просто позволяют определенным людям оставаться на вершине пищевой цепочки и множеству других людей работать на них.

Если молодой человек хочет попасть в кино и ищет совета, я всегда говорю, не говорите с режиссером. Не спрашивайте их совета, потому что никто не даст вам правильного совета - они слишком чертовски боятся потерять свое место. Я думаю, что первым делом нужно по-настоящему понять иерархию кинопроизводства.

Кроме того, если вы хотите заниматься кино, как я, или музыкальными клипами, выясните, что люди действительно хотят. В настоящее время это в основном корпорации, владеющие небольшими компаниями, которым нужен фирменный контент. Выясните эти структуры. Это всегда был мой поиск. Я был одержим традиционными рассказами, и я был заинтересован в их разрушении. Я думаю, что то, что привело меня туда, где я сейчас нахожусь, заключается в том, чтобы выяснить, какие структуры существуют, и выяснить, как подрывно ориентироваться в них.Для любого молодого режиссера, музыканта или кого-то еще это, наверное, самая умная вещь.

Я не обязательно говорю о том, чтобы делать вещи, которые приспособлены к определенным способам создания, которые популярны. Я говорю, знайте, что это такое, чтобы вы не были убиты горем, когда вас каждый раз отвергают. Это то, что делает каждая великая поп-звезда. Они понимают, что происходит, и затем делают вещи, которые соответствуют этому узкому пространству. Я не говорю, что делайте это, но я говорю, знайте, что это существует, и не позволяйте этому пространству разрушить вас.

Я был одержим традиционными рассказами, и я был заинтересован в их разрушении.

Очень важно иметь дело с отказом. Чтобы не позволить вам получить это. Для меня последние 10 лет были практикой счастья. Будучи как: «Хорошо, шаг, который я делаю, буквально одной ногой перед другой, каждый раз, когда я опускаю свою ногу, это счастье? Я немного счастливее каждый раз? Мне сейчас 30 Большую часть моих 20-х я был крайне несчастным. Вы должны двигаться к счастью, независимо от того, какой надеждой будет ваша карьера.

Я пишу свой полнометражный фильм более года. Я делал обычные, подрывные действия, которые я делаю, которые не делятся ни с кем информацией, не следуют никаким правилам. По пути я встречался или был повторно знаком с некоторыми действительно хорошими людьми. Они делают фильмы, которые люди действительно видят. В какой-то момент я понял, что мне было сказано: «Знаете что? Я потратил все это время, действительно отвергая традиционные способы изготовления », и в определенный момент я понял, что это может означать, что люди никогда не увидят, что я делаю, потому что они не хотят работать со мной.Может быть, подрывная вещь состоит в том, чтобы уступить определенным традиционным вещам и сделать что-то, что выходит там, которое все еще нетрадиционно и в духе того, что я действительно хочу сделать.

Это значит, что мои вещи видны не потому, что я сам по себе, а потому, что я могу получить представление о большей картине работы разных людей и об этом выравнивании игрового поля. Движение, в основном, людей, делающих вещи так, что детям, которым сейчас по восемь лет, когда им по 30, гораздо легче выпустить историю, которая на самом деле ... Вы знаете, что для них действительно есть место когда они прибудут в точку, к которой я пришел.Ни одна часть меня никогда не думает: «О, то, что я делаю, является самым важным, и я следующая большая вещь». Я пришел к соглашению, что это не то, чем я занимаюсь. Я являюсь частью огромной группы людей, которые движутся к ... концу капитализма. Я надеюсь, что я на правильной стороне этого.

Движущиеся изображения - отличный эквалайзер.

Все мелкие вещи, которые я сделал, были самофинансированы. Вы можете продолжать идти по этому пути и делать все больше, больше и больше: самофинансируясь таким образом, что вы вытягиваете из себя окружающих вас людей, которые являются частью вас, частью вашей семьи или кем-то еще.Затем, это единорог, который получил каждый знакомый мне режиссер, у которого все хорошо. Они как: «Да, этот действительно богатый человек дал мне деньги». Вы должны найти богатого человека.

Есть гранты, но, насколько я понимаю, это европейское дело. Это невероятно, но это финансируется правительством, и в этой стране есть корпорации, которые, по сути, и есть правительство. В этой стране получение денег от корпорации - это, по сути, получение действительно большого государственного или институционального гранта в другой стране.Для меня меня интересуют способы сделать вещи, которые стоят меньше денег. Используя много денег, но зная, что вам это на самом деле не нужно.

Вы могли бы просто сделать это с помощью своего мобильного телефона, если бы пришлось. Что касается меня, я всегда спрашиваю: «Как бы ты сделал что-то подобное, но без всего этого?» Как вы можете выразить эти идеи без всего прочего? Все эти другие вещи, кроме бюджетной версии, когда вы идете в магазин и получаете маску для лица за 99 центов, и вы надеваете это.Может ли это быть такой же мощной, как маска за 5000 долларов, которую кто-то должен был носить? Я не знаю. Финансирование действительно сложно, потому что я пытаюсь делать что-то без денег, но потом, вы вроде как хотите много денег.

Знаете, новости, которые мы видим каждый день, действительно, очень важны, и многие из них создаются с помощью одного мобильного телефона. Никто не сидит там и говорит: «Нет, нет, нет. Это не стоило денег. Вы знаете, вам не нужны 40 парней с их болтающимися животами, которые ждут, чтобы нести одну часть оборудования.Я люблю захваты, но вам не нужны все эти люди, чтобы помочь вам сделать то, что вам нужно сделать.

Все сидят здесь и испытывают ностальгию по фильмам, камерам и тому подобному, и тому подобное, бла, бла. Я как "Нет" Не похоже, чтобы камеры когда-либо уходили. На самом деле, все больше и больше людей имеют доступ к камерам и съемкам фильмов на своем телефоне. Это проблематично, потому что вы разместили его в Instagram, а его владельцем является Facebook, а Facebook владеет всем вашим гребаным материалом, но он все еще использует эквивалент письменного слова.

Я думаю, что разница между письменным словом и фильмом заключается в том, что существует иллюзия, что вам нужно много денег с фильмом.

Дети понимают, даже когда они крошечные, они понимают, что такое чрезмерное. Они понимают, что тот, кто делает это, обладает огромной силой. Я думаю, что важно быть похожим на: «Вы также можете сделать фильм. Ты можешь." Я действительно мало смотрел телевизор или фильмы, но у нас была видеокамера. Было такое чувство, что ты можешь сделать фильм.Теперь, как никогда, каждый может. Я предполагаю, что, вероятно, есть достаточное количество людей, у которых нет телефонов с камерами на них, и я знаю, что это привилегированная идея, например: «Я уверен, что большинство людей делают».

Но каждый ребенок, с которым я работал в эти последние выходные, знал, как загружать приложения, и они знали, как работать в Instagram, и им было меньше 10 лет. Прямо сейчас, во всей этой смене парадигмы, движущиеся изображения являются отличным эквалайзером.

Все это говорит, что там слишком много.Я думаю, что важно понимать, как работают движущиеся изображения, когда вы молоды. Они получают все. Требуется огромное количество энергии, чтобы просеять через вещи. Иметь критическую точку зрения с самого раннего возраста очень важно.

Абсолютно безумно, что так мало людей учатся тому, что они могут делать свои собственные вещи. Даже если в школе нет денег на искусство, их родители или друг семьи носят с собой телефон с видеокамерой. Но ребенок идет по улице, они видят съемки фильма и спрашивают: «Что это?» Кто-то вроде: «Это фильм.Ты не мог этого сделать. Они понимают, что не могут этого сделать. Это безумие, потому что они могут!

Точно так же, как ребенок 30 лет назад увидел бы стихотворение, и они бы сказали: «Что это?» Кто-то скажет: «Стихотворение, но вы не можете этого сделать». У них есть карандаш и лист бумаги, и они могли это сделать, и некоторые дети сделали это.

Я думаю, что разница между письменным словом и фильмом заключается в том, что существует иллюзия, что вам нужно много денег с фильмом. Вам нужно много оборудования.Неправда. Я хочу сделать кинопроизводство чем-то простым и частью повседневной жизни.

,

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

*

*

*